¿Podemos cambiar el mundo?

“La cultura y el Estado- no nos engañemos sobre esto- son rivales: el Estado de cultura no pasa de ser una idea moderna. Lo uno vive de lo otro, lo uno prospera a costa de lo otro. Todas las épocas grandes de la cultura son épocas de decadencia política, lo que es grande en el sentido de la cultura ha sido apolítico, incluso antipolítico”.
Nietzsche

Cultura y Estado son rivales. ¡Qué bien nos aprendimos esta frase del “gran filósofo”!

Tengo un amigo vitalista, positivo y con fe que piensa que puede cambiar el mundo. Yo intento seguir sus consejos y creo que lo consigo, pero a veces te lo ponen difícil y te haces ciertos planteamientos.

Hoy ha sido un día de esos en los que me he levantado con una duda existencial y quería compartirla con vosotros. Quizás os parezca algo demasiado de moda, un cliché, pero… ¿os habéis tomado un sólo segundo para meditarlo verdaderamente?

¿Cuál sería para vosotros la política ideal? Lejos de colores y convencionalismos…¿cuál sería su función? y ¿qué debe hacer esta por la cultura?

Creo que partiendo de las respuestas a estas preguntas empezaremos a iniciar la búsqueda de la solución para empezar a poder cambiar el mundo. Un mundo gris oscuro, casi negro. Quizás con delgadas franjas rojas, pero sin amarillos, sin naranjas, sin verdes ni rosas, sin blancos ni azules.

¿Cómo se cambia un mundo así? ¿Cómo se cambia un mundo sin la ayuda ni el interés de los gobernantes?¿Sin el interés del pueblo?

Yo creo en la política. Una política libre y actual, joven, fresca, enérgica, respetuosa, sin miedos, pero discreta, humilde pero decisiva, segura, con ganas de trabajar y de ayudar. Creo en una política culta, que conozca su historia y no la olvide ni la deseche, puesto que será la única forma de tenerla presente para no cometer los mismo errores.  Creo en una política que ayude a los jóvenes, que haga lo imposible para que un padre de familia no tenga que pedir en la calle. Creo en la política que va al cine,  a ver un partido de baloncesto, al teatro, a un concierto, a una peregrinación o a una exposición de arte. Pero que va no por obligación, sino por ganas. Creo en aquella política que fomenta la creatividad, la participación y la felicidad de su pueblo. Que escucha lo que quiere la gente, dentro de la coherencia y la viabilidad, y que lo haga.

También creo en un pueblo comprometido y con ansias de aprender. Sin miedos, sin vergüenza -en el buen sentido de la palabra-, sin rencor. Creo en la gente capaz,  en las personas inventoras, en las luchadoras y en las que ayudan a los demás. En un mundo accesible en el que todos seamos iguales.

Al leer esto lo primero que pensarás es que no existe. Lo sé. Soy consciente. Pero con el alma de emprendedores que tenemos ¿por qué no la creamos?

¿Se puede borrar un dibujo a lápiz y corregirlo o hacer uno nuevo? ¿Por qué no hacemos lo mismo? ¿Sois capaces? Si es necesario tira el papel, pero créalo. Probablemente necesitemos hacer varios brainstormings con nuestros compañeros, al igual que es necesario para crear o construir cualquier producto o idea.

En cuanto a las relaciones de la política con la cultura he de decir que creo que un político, pese a tener más o menos conocimientos o intereses artísticos, debe ser conocedor de lo que se está desarrollando, y contribuir a ello. Y si él no sabe, debe poner al frente a personas bien formadas y experimentadas que sean capaces de crear cultura. Buag! que repetido está esto ¿verdad? Pues pese a ello, no se enteran. Hacen multitud de proyectos inacabados, simples o repetitivos. Mi consejo es que o te bañas o no, no te mojes sólo los pies. Para hacer un proyecto sin alma mejor es que no se ejecute.

En fin, volviendo a lo de cambiar el mundo…Hay que darle muchas pinceladas al lienzo. Algunas serán fáciles y otras costarán más. Probablemente el primer día, cojas el pincel, lo bañes en verde y des el primer trazo con mucha fuerza, entusiasmo y seguridad. Pero estoy segura que en algunos momentos los críticos te lo pondrán tan difícil que dudes de si volver a cogerlo o en el caso de que lo cojas pensarás si bañarlo en marrón oscuro, incluso gris.

En ese momento, tomate un respiro. Olvídate de los críticos. Siéntate delante de tu obra y piensa en tus primeros propósitos. Y teniendo en cuenta todo y remando a contracorriente, usa los colores y crea algo atrayente que invite al deleite. Algo que ilumine, algo que invite a sonreír y a soñar. Algo con magia. Muéstralo donde puedas y a quien puedas. Escucha las críticas pues ellas te harán más grandes. Pero no te obsesiones.Entonces, y sólo entonces, estarás cambiando el mundo.

Mi amigo Paco quiere cambiar el mundo. Sus dibujos y sus pinturas nos enseñan sus pensamientos, sus ideas, sus miedos, su entusiasmo y genialidad. Con lo último me quedo.

¿Tú vas a ayudarle?

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HAPTICS, por un arte y una museografía accesible

“Cuando la vista es deficiente, el ciego tiene que recurrir al oído, al tacto y al olfato para informarse. Se les debe ayudar a reunir la información que le den los demás sentidos para llegar a comprender el mundo”.

¿Es la contemplación el principal método para apreciar el arte? ¿O puede el tacto, el oído o el olfato cambiar el modo en el que vemos el arte? 

A lo largo de los tiempos, se ha establecido que el principal procedimiento para el deleite de la obra de arte es la visualización de esta. Sin embargo, con el paso del tiempo se está determinando que esta cuestión es errónea. Sentidos como el tacto, el gusto o el olfato no han sido tenidos en cuenta para la apreciación y el disfrute del arte, siendo el más vetado de ellos, el tacto. Esto ha ocasionado un problema de desigualdad para aquellas personas que tienen capacidades diferentes, sobre todo a aquellos que sufren la pérdida de la visión, ya que las personas ciegas disfrutan de los elementos visuales a través del tacto.

HAPTICS nace tras un proceso de investigación en el que se pretendía la búsqueda de nuevos sistemas museográficos y artísticos vinculados con las capacidades sensoriales, la inteligencia emocional así como la generación de experiencia en el público, sobre todo, contribuyendo a crear una normativa de accesibilidad que logre un mayor disfrute del arte y la cultura para personas con cualquier discapacidad ya sea visual, física, psíquica o auditiva.

Investigamos los diferentes programas de accesibilidad en museos e instituciones dedicadas al arte, así como las exposiciones adaptadas para personas invidentes, y obtuvimos que a pesar de que muchos espacios museísticos trabajan en la adaptación de espacios y materiales así como la creación de programas para mejorar la accesibilidad, estas medidas pasan desapercibidas a la hora de comisariar una exposición. Por ello, es necesaria la creación de una nueva museografía sensorial e interactiva, donde participen nuevos sentidos para lograr un acercamiento a la obra de arte más accesible para todo tipo de público.

Es indudable la labor pedagógica que llevan a cabo numerosos gabinetes educativos de instituciones museísticas como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía o el Museo Thyssen Bornemisza, y en Andalucía el Museo de la Alhambra, Museo Parque de las Ciencias de Granada o Museo Picasso Málaga. Pero ninguno de estos sistemas funciona sin previa reserva o el número de estas es muy reducido.

Un caso a destacar es el plan de accesibilidad del MUSAC. Uno de los casos excepcionales a nivel europeo que lucha por la integración de las personas con capacidades diferentes a través del diseño y realización de una serie de actividades, siendo de destacar La Rara Troupe un proyecto que ayuda a conocer las enfermedades psíquicas; el proyecto de lectura de cómic del artista multidisciplinar Ilan Manouach, “Shapereader” para personas ciegas y con discapacidad visual, talleres de danza y discapacidad dando a conocer el brillante método de psicoballet de Maite León;  las I Jornadas Musac de Atención a la Diversidad en 2008; o su actual proyecto europeo TANDEM con el que pretenden la investigación de herramientas y nuevos enfoques para personas con discapacidad que exploran los museos ha sido seleccionado.

Pero ¿existe una museografía accesible?¿Una museografía adaptada a personas que sufren discapacidad visual?¿Existe un arte accesible?¿Un arte háptico?

Imaginaos una exposición que os invite a tocar, a oler, a escuchar, a sentir; y en la que podamos adentrarnos en paisajes desérticos, escalar gélidas montañas y viajar por playas tropicales. ¡Esto es HAPTICS!

HAPTICS se trata de un proyecto curatorial vanguardista multisensorial que pretende a través de un arte háptico sensorial y accesible generar una experiencia al público por medio de la interacción, la comunicación, la percepción, y la emoción que desarrollamos a través de todos nuestros sentidos, permitiendo al público trasladarse a aquellos lugares imaginados.

HAPTICS viene de háptica, siendo esta el conjunto de sensaciones y percepciones no visuales que experimenta un individuo para recibir información. Este método es utilizado frecuentemente por las personas ciegas para relacionarse con el mundo que les rodea y sobre todo, para apreciar el arte.

Para esta muestra hemos trabajado junto a Ángela Mena, artista sevillana que convierte sus paisajes de bolsillo en una serie de esculturas sensoriales, en las que a través del olfato y el tacto, los invitará a viajar por diversos lugares; y el artista leonés Efraim Ortega que trabaja en sus obras, la interacción con el público y la producción de la expresividad y la experiencia  

Para HAPTICS han investigado sobre las capacidades sensoriales de personas con diferente tipo de discapacidad y han diseñado una serie de piezas sensoriales, de diversa índole, desde la escultura a la instalación en las que han  trabajado con diferentes materiales desde tela, madera, acero, cristal o plástico; jugando con diversas formas, dimensiones y sensaciones térmicas que ofrecerán al público la oportunidad de experimentar diferentes sensaciones y emociones.

Pero además del diseño de piezas accesibles y sensoriales, contaremos con una museografía háptica a través de la inclusión de un sistema de audiodescripciones y textos en braille, así como un folleto accesible y espacios hápticos para aportar más claridad a la comprensión del proyecto. 

Con HAPTICS ofrecemos al público una experiencia sensitiva, interactiva y didáctica, pretendiendo contribuir a la accesibilidad normalizada sin impedimentos ni limitaciones de personas con discapacidad visual, física, psíquica o auditiva al arte.

Rocío Monsalves

La Femme Fatale, Invención y Realidad

“La mujer fatal es la que se ve una vez y se recuerda siempre”.
(Del Valle Inclán, La cara de Dios, 1900)

Las mujeres fatales han existido a lo largo de la historia y han estado presentes en todas las culturas desde tiempos remotos. La religión y la mitología hablan de este tipo de mujeres perversas, crueles pero increíblemente sensuales, atrayentes e imposibles de olvidar, y que con su belleza eran capaces de originar la destrucción de los hombres. Eva, Dalila, Salomé o Judith, Medusa, Pandora o Helena de Troya son algunas de ellas.

Desde la antigüedad, el orden natural social determinaba que la mujer debía permanecer en un segundo plano respecto al hombre en todos los aspectos, puesto que la sociedad se desarrollaba bajo un sistema patriarcal. No es hasta el siglo XVIII con la llegada de la Ilustración, cuando la situación de la mujer empieza a cuestionarse. Nace la mujer de mundo, una mujer culta, partícipe de la sociedad y empieza a preguntarse por sus derechos. Esto originara la gran revolución de las salonnières y las primeras oleadas feministas.

A finales del XVIII, la cuestión de los derechos de la mujer se convirtió en el tema central de los debates políticos en Francia y Gran Bretaña, generándose la primera oleada feminista. No sólo mujeres como Olympe de Gouges o Mary Wollstonecraft defendían los derechos y pedían las mismas oportunidades entre hombres y mujeres, sino algunos hombres como Poullain de la Barre, John Stuart Mill o el marqués de Condorcet.

Sin embargo, algunos de los pensadores más destacados del momento se postularon contrarios al igualitarismo, cuestionando la inteligencia y la moral femenina. Un claro ejemplo fue la posición de Rousseau, quién en su Émile ou de l´education, creó su ideal femenino. Una mujer honesta, virtuosa, pudorosa cuyos fines principales fueran ser una excelente ama de casa, una buena esposa y mejor madre. Rousseau decía que había que alejar a la mujer de los libros y que el hombre debía de tener alto cuidado con ella, ya que si se lo permitiera, sería su perdición. Rousseau sería el primero de infinidad de filósofos, literarios y artistas que contribuirán a la reconstrucción del mito de la femme fatale.

A mediados del siglo XIX, aparece la segunda oleada feminista, que pedirían la emancipación de la mujer y el sufragio femenino. Es entonces cuando reaparece con fuerza el mito de la femme fatale. Artistas como Rossetti, Waterhouse o Moreau dedicaron sus obras a estas mujeres perversas.

Los escritores simbolistas ingleses construyeron el aspecto físico de la femme fatale según las representaciones de Lilith, la primera mujer de Adán, según la tradición judía. Según Según Erika Bombay, la femme fatale es una mujer perversa, con cabellera larga y rojiza, de piel blanca, con ojos verdes. Una mujer dominante, lujuriosa, fría y malvada.

El mito renace ante el temor de la nueva mujer, poderosa, culta y capacitada que pretendía hacerse un hueco en la vida social y pública, tener las mismas oportunidades laborales, acceso a la universidad y derecho al voto. Estos grupos conservadores asociaban las protestas de estas mujeres con un tipo de mujer poco honorable y revolucionaria. La femme fatale es la proyección de incertidumbres y ansiedades masculinas y una dramática advertencia contra la autonomía y el poder sexual femenino.

Las mujeres independientes, que asumieron el control de su propia sexualidad y su destino, y que no encajaban en el modelo patriarcal, se las tachó de mujer fatal. En este momento surgirán otra serie de mujeres fatales como Emma Bovary, Anna Karenina, Effie Briest, Carmen, Lulú o la mismísima Mata Hari.

Como sabemos, desde los orígenes, siempre se ha tachado a la mujer de ser la causante del mal de la sociedad y la perdición del hombre. Siempre se ha hablado de la perversidad y la capacidad destructiva de la mujer. Al igual, que desde el siglo XX, se habla de la igualdad de los géneros, del derecho de la mujer al voto, del derecho de la mujer de recibir una educación o de ser capaz de desarrollar cualquier tipo de trabajo, así como de tener el derecho de reproducción. Se ha debatido mucho sobre la discriminación de la mujer, la esclavitud sexual o la igualdad de oportunidades.

Pero pese a vivir en el siglo XXI, e independientemente a la religión que siga, las mujeres no tienen el mismo derecho que los hombres, en países desarrollados tienen derecho al voto, logran realizar diferentes roles pero reciben sueldos más bajos y tienen menos oportunidades laborales si son madres y/o madres solteras. Infinidad de niñas sufren la esclavitud sexual, el matrimonio pactado, la prohibición al sistema educativo o al derecho al voto. Nacer mujer hoy en día, no es más fácil.

Por ello, con esta muestra pretendemos llegar a la sociedad, hacerles reflexionar desde uno de los ejemplos más claros de desigualdad, la construcción de la femme fatale, y transmitirle que desde el sistema educativo, político y social, y con la ayuda de todos, niños, padres, abuelos, de un color, de un ideal, de una religión o de una nacionalidad distinta, pueden lograr que la situación y las oportunidades de una niña o una mujer hoy en día mejore, y por fin logre la igualdad que se merece.

La Femme Fatale, Invención y Realidad se trata de un proyecto curatorial que pretende revisar el término de la mujer fatal con el objetivo de dar a conocer a esta más allá de la invención del mito, del icono bíblico, y de la perversión, seducción y dominación con la que se la ha relacionado, situándola en el siglo XXI.

Con este proyecto, que va dirigido a todos los públicos con el objeto de promover la igualdad y los derechos de la mujer en la sociedad actual, no sólo se pretende deconstruir la leyenda de la femme fatale, sino dar a conocer los fines que pretendían alcanzar la mujer de mundo, esa mujer culta y educada que defendía sus derechos y que dio origen a las primeras oleadas feministas.

Asimismo, esta propuesta pretende estudiar a la mujer fatal del siglo XXI a través de la literatura y el arte contemporáneo. El proyecto recogerá fotografía, videoarte, instalación y performance, tratándose por tanto, de un trabajo novedoso, ya que la mayoría de los estudios y exposiciones sobre la mujer fatal han trabajado la visión de esta en el siglo XIX.

Se trata, por tanto, de una propuesta que pretende estudiar a la femme fatale del ayer y del hoy desde el punto de vista de una serie de jóvenes artistas españolas, emergentes como Violeta Niebla o el grupo que forman Luisa Redondo y Ana Dorronzoro, y reconocidas en el mundo del arte actual como Marta Soul, Rocío Verdejo, Cristina Otero o Verónica Ruth Frías.

Tras la visita a esta exposición, pretendemos que el espectador se adentre en uno de los grandes ejemplos de desigualdad, la construcción de la femme fatale, y reflexione que pese a vivir en una sociedad avanzada y cuyos valores principales sean la igualdad y la tolerancia, y pese a la lucha de los movimientos feministas por defender los derechos de la mujer; en la actualidad, la desigualdad de esta es un hecho, que principalmente es perceptible en el campo laboral.

Rocío Monsalves

EL RETRATO SINESTÉSICO DE MIGUEL ANGELIT

Los que visiten este año la II Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, SACO, tendrán el lujo de poder participar en esta performance que forma parte de FORMA, TEXTURA Y COLOR. Percepción, Expresión y Emoción.

¡SI, PARTICIPAR! 

Sólo tendrán que sentarse, observar, sentir y crear un retrato sinestésico del artista. 

Miguel Angelit es un joven artista e historiador del arte. Es un artista polifacético y emergente. Sus incursiones en el mundo del arte se caracterizan por acciones experimentales en las que el espectador ocupa un papel fundamental, incidiendo así en la democratización del arte. Entiende el arte como metáfora visual, en la que el respeto a las diversas emociones y opiniones que produce en el público se aúna el interés didáctico.

Con sus ideas pretende abordar temas prohibidos en la sociedad actual y denunciar situaciones desfavorables para el ser humano, como trató en su trabajo OWNER. También habla de la democratización de la marca como en su serie MEMENTO MORI o intenta romper las barreras comunicativas que actualmente construimos por el uso de tantos dispositivos. 

Pero sin duda, lo que le hace crear esta performance es la contemplación de la despreocupación de la sociedad por la emoción o la pérdida de la capacidad para emocionarnos o sentir. El trabajo, la falta de tiempo, los miedos nos frenan a dejarnos llevar por nuestros sentimientos. Las personas no se emocionan a no ser que vean la última de Bayona, claro está. Parece que aprendimos bien aquella frase de Philip Roth que hablaba de que debíamos estar por encima de nuestros sentimientos, puesto que ellos nos llevarían a la destrucción. 

Este desinterés sensitivo se ha traslucido en el arte. Las creaciones artísticas se han comercializado. El artista crea piezas para subsistir. Pinta o esculpe aquello que vende a un público inexperto que simplemente compra arte para alardear de su cultura, por blanquear dinero o para invertir. El público como el artista no hace lo que verdaderamente siente. No se deja llevar. 

Necesitamos que vuelva el arte de la emoción, de los sentimientos. Necesitamos hacer que las personas sientan, se encuentren a ellos mismos, rían, lloren, y se emocionen ante la obra de arte. Se emocionen en cada exposición. Interactúen, hablen y escuchen los discursos y las obras, y con este objetivo, se ha diseñado este proyecto.

¡Os contamos en qué consiste!

La propuesta comporta un experimento creativo cuyos ingredientes son los sentimientos estéticos y las transformaciones simbólicas que pueden aparecer como resultado de la percepción sinestésica de una persona. La sinestesia se define como sensación secundaria que se produce en una parte del cuerpo a consecuencia de un estímulo aplicado en otra. La sinestesia permite a una persona, atribuir colores a sonidos, formas a colores, sonidos a formas, etc. Se cree que todo el mundo es capaz de percibir la sinestesia en mayor o menor grado. Numerosos artistas poseen esta capacidad, uno de los más representativos es Robert Delaunay, principal representante del cubismo órfico. Este representó la pureza del color, sin tomar como referente ningún objeto de la realidad, pretendiendo con ello conseguir la misma sensación que las composiciones musicales producen en el espectador mediante sus “partituras de color”. Con lo cual, nos encontramos ante un artista que juega con el color para conseguir una sensación auditiva.

Partiendo de la premisa de que se puede poner color a las sensaciones, intentaremos colorear los sentimientos o percepciones que nos produce una persona. Para comprobar si existe esta cualidad o no en las personas, he creado esta acción artística: “Retrato sinestésico”.

El experimento consiste en demostrar la capacidad sinestésica de cada persona, así como la subjetividad y el factor psicológico en dicha experiencia. El visitante se sentará frente al artista, y ambos tendrán que retratar a su contrario en 5 minutos. Las premisas del retrato deben ser el uso de elementos que no hagan alusión a la forma humana, debiendo usarse colores, formas geométricas y abstractas, con el fin de reflejar las emociones o sentimientos que el retratado le transmite.

Como resultado, el público podrá llevarse un retrato realizado por el artista, además de realizar el experimento y adquirir una experiencia. El artista, por su parte, obtendrá retratos de él mismo realizados por personas diferentes, con lo cual, podrá comprobar si las distintas personas coinciden en asignar al artista unos colores o formas determinados o completamente distintos. Se juega con la subjetividad, las emociones, las impresiones, en cierto modo se trata de un retrato psicológico bidireccional, pues tanto retratista como retratado se reflejan en la obra.

Retrato a la comisaria (2016). Miguel Angelit.

Miguel Ángelit y Rocío Monsalves.

CAFBA, UN AUTÉNTICO GABINETE DE PINTURA DEL SIGLO XXI

CAFBA,  MUSEO DE VIDA

                              UNA COLECCIÓN PRIVADA ABIERTA AL PÚBLICO

Mañana, día 11 de octubre, se inaugura CAFBA, la colección de arte de Francisco Barragán en la Casa de la Cultura de Pilas.

Todo pileño conoce a Francisco  y reconoce la importante gestión cultural que ha realizado en nuestro pueblo. Como técnico del Área de Cultura del Ayuntamiento, hoy, le debemos muchos de nuestros más importantes legados culturales.Su pasión por el ballet, el cine y el teatro es sobradamente conocida no sólo en nuestra localidad, sino en el exterior, recibiendo en 2011 el premio “T” de Teatro de la provincia de Sevilla, reconociéndose así su carrera y trayectoria profesional. Pero la más grande de sus pasiones es la pintura.

En los 80, desarrolla fuertes inquietudes hacia el mundo del coleccionismo, empezando a adquirir sus primeras obras. Pero no será hasta años más tarde, en los 90, tras la adquisición de una pieza de Manuel Hernández Lara, cuando nace la idea de crear una colección, surgiendo así CAFBA.

Su labor de mecenazgo, también es de destacar, adquiriendo piezas y dando difusión a artistas emergentes locales y foráneos.

Actualmente, infinidad de obras cuelgan de sus paredes y reposan en los rincones de su hogar, transformándolo en un auténtico gabinete de pintura, dónde convive y dialoga con sus obras. Visitar su casa es sinónimo de adentrarse en una de las típicas pinturas de gabinete, en la que como los personajes que aparecen en estas, el propietario de la colección atiende a sus invitados y les enseña sus obras.

CAFBA es una colección muy ecléctica formada a través de donaciones, encargos y adquisiciones. Recoge la obra de artistas emergentes y reconocidos en el panorama nacional e internacional, como los españoles Zush Evru, José Antonio Navalón, Miguel Torner de Samir o Rafael Agredano o los americanos John Cook, Peter Fowler y Jean Michel Basquiat.

La diversidad de técnicas y estilos pictóricos enriquecen esta ecléctica colección que nada entre el realismo, el expresionismo, el africanismo y la abstracción, entre el surrealismo, el fovismo, el costumbrismo, el lirismo, lo conceptual y el drap-art.

CAFBA contiene variedad de obras de todos los géneros pictóricos desde el retrato, la pintura religiosa, la mitológica, el paisaje, la pintura de género, el desnudo, la pintura erótica y el bodegón.

Disfruta de una importante sección de dibujos, siendo de destacar la serie paisajística dedicada a Jerez de la Frontera y al Puerto de Santa María realizada por Joaquín del Cuvillo y Sancho, y  la serie de detalles realizadas por su mujer, Margarita d´Etchecopar Gómez-Imaz y su cuñada, Ángela.

Pero lo más sobresaliente de CAFBA es su última especialización en arte hispanoamericano, contando con  piezas de artistas venezolanos como Federico Moros, chilenos como Ernesto Fontevilla Camps, colombianos como Willy Ramos, y peruanos como Félix González Quirós, Felipe Portacarrero Martínez Apuric, Arcario Boyer Ramírez, Pedro Pablo Oliva, Rodolfo López Ávila y Claudio Chunga.

No sólo la pintura tiene cabida en esta colección. CAFBA cuenta con un gran número de piezas escultóricas realizadas en madera, hierro, forja; cerámicas y otras piezas artesanales como lozas hidráulicas tan características en la decoración tradicional andaluza.

En la colección, también dedica un espacio a la fotografía, siendo la pieza más relevante la fotografía del cartel de la película El hombre que susurraba a los caballos de Robert Vavra.

En la colección tiene un espacio reservado al arte pileño, contando con piezas de artistas de los pintores Manuel Hernández Lara, Manuel Magdaleno, Cristóbal Quintero, Katy Bejarano, Paco Maraver, Javier Anguas Porras, Tina Suárez; los fotógrafos Juanma del Valle y José Ruíz, el diseñador gráfico Federico Rollán, y la ceramista Chari Bolaños entre otros.

Sin duda, CAFBA se trata del legado artístico de un coleccionista pileño al pueblo de Pilas. Esta será la primera vez que estas piezas se muestren públicamente a los vecinos, por tanto, espero que disfrutéis de ellas, os adentréis en sus historias, reconozcáis su relevancia histórico-artística, y entre todos, perpetuemos la conservación de este importante legado.

Podréis verla en la Casa de la Cultura de Pilas desde el 12 al 23 de octubre. ¡No os la perdáis!

Imagen: Sangre de Doncella de Peter Fowler. 1997.

Cartel exposición. Rojo sobre blanco de Manuel Magdaleno. 1999

Web colección: http://www.cafba.es/

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¡SIENTE, PIENSA, CREA!

¡Nos seleccionaron!¡Nos vemos en SACO!

Uno de nuestros proyectos pioneros sobre inteligencia emocional y arte ha sido seleccionado en el programa SACOCURATORS de jóvenes curadores emergentes de SACO, la feria de arte internacional que se celebrará entre el 3 y el 6 de noviembre de 2016 en el palacio de congresos y exposiciones de Sevilla. Estamos encantados de compartir con ustedes este trabajo, en el que podréis ver obras de diversas texturas, colores y formas. Podréis disfrutar del arte, tocarlo, sentirlo e investigar sobre él. 

Forma, Textura y Color.Percepción, Expresión y Emoción, se trata de un proyecto curatorial vanguardista que pretende generar una experiencia al espectador por medio de la contemplación, la comunicación, la evocación, la percepción, la expresión y la emoción; usando como objeto de conocimiento a algunos de los elementos del lenguaje visual como son la forma, la textura y el color.Se trata, por tanto, de un proyecto que contribuye al desarrollo de la inteligencia emocional a través del arte.

El arte, en sus distintas manifestaciones y a lo largo de la historia, ha sido vehículo de comunicación, y por tanto, de expresión emocional. En distintas investigaciones, han sido probados los beneficios del arte para el desarrollo de la inteligencia emocional, mejorando su percepción, creatividad, habilidades manuales y generando una mejor recepción de conocimientos.

El incremento de la sensibilidad hacia elementos perceptuales produce una mayor predisposición mental para la incorporación de conocimientos lógicos.

El arte es un instrumento que nos permite experimentar con el potencial de nuestras reacciones emocionales con la finalidad de ayudarnos a lograr una mayor armonía en nuestras vidas. Los lenguajes simbólicos ensanchan los horizontes de percepción y conocimiento de lo real, haciéndonos más sensibles.

Los colores tienen la capacidad de transmitir diferentes tipos de sentimientos y cambiar nuestros estados de ánimo. El color también destaca por su papel evocador, comunicativo, atrayente, pero sobre todo por su papel expresivo. Por ello, es un recurso imprescindible en el campo artístico  de la pintura y la escultura.

Otro recurso visual productor de emociones es la textura, que genera impresiones visuales y táctiles de variados efectos por su aptitud expresiva.

Para lograr la producción de la experiencia en el público, hemos seleccionado una serie de obras de artistas cuya técnica, materiales, dimensiones y colores son muy disímiles pero a su vez son complementarias, ya que todos ellos abordan la forma, la textura y el color y contienen un alto grado de capacidad expresiva.

En el caso de Ángela Mena, el color y la energía se convierte en su principal medio de expresión y el aspecto más relevante de sus obras.

Efraím Ortega combina el hierro con la madera y la pintura sintética para obtener como resultado una obra con diversidad de texturas. Sus obras son un tanto dadaístas, conceptuales y coloristas.

La obra colorista de Paco Pérez Valencia refleja el placer de vivir, el entusiasmo, la alegría, la superación. Paco habla de emociones y sentimientos en sus obras, que sin duda transmitirá al espectador.

Al contemplar estas obras, observaremos las diferentes reacciones y emociones que se despierta en el público al observar la diversidad de colores, texturas a través de la combinación de diversos materiales.

Sin duda, el espectador no pasará desapercibido ante estas piezas y lograremos el fin que perseguimos, impactar.